時間：2009.12.08 18:30
地點：北藝大舞蹈系203教室
紀錄、文字：I-Wen
稻草人現代舞蹈團，《我為美殉身-艾蜜莉。狄金生》
由於董怡芬是今天討論會中唯一在場的編舞者，所以會議一開始，大家就決定先開始討論怡芬的作品《我為美殉身》。怡芬首先說明這支舞蹈的創作，是由舞與詩的關係起始，對她而言是先有畫面，由詩作盡入畫面的聯想之中，先有影像，再透過舞蹈過程中的不斷練習，將每個片段串連起來，而怡芬也透過自己對艾蜜莉狄金生詩作的詮釋，發展三個人物之間的關係。「愛蜜莉狄金生」這個題目，其實是稻草人現代舞蹈團已經選定的題目，而一開始創作的初衷，其實是希望羅文瑾、董怡芬和孫佳瑩三位編舞家能一起合編這首舞，但在執行過程中，卻因為三位編舞者的看法太過分歧，所以最後就變成了三個各自創作的表述，如觀眾所看到的呈現。
對某些觀眾而言，「艾蜜莉狄金生」就像是一個知名的品牌，配合著舞團行銷策略的運用，如邀請鍾文音在誠品進行一連串講座等方式，讓人對舞作與艾蜜莉狄金生之間產生了期待，期待編舞者對艾蜜莉狄金生這樣的論述架構，能夠提供自己的詮釋觀點，進而豐富這場與文學相遇的饗宴。在舞作的第一個開場片段，投影在白色布幕上的詩句在女詩人溫柔的吟詩聲中，一字一字緩緩地浮現，這樣的畫面讓觀者很快地進入艾蜜莉狄金生的世界裡，但當女獨舞者開始做著神經質地、自溺而有些歇斯底裡的動作時，編舞家對女詩人的詮釋，似乎落入一種很淺很薄的陳述，艾蜜莉狄金生對文字寄託的深刻性，就在這樣淺薄的印像之中，被消抹了……
編舞者回應到，艾蜜莉狄金生只是開啟創作的來源，陪伴一開始的創作過程，但接著創作者已經離開這個命題，從艾蜜莉狄金生出發，然後離開，從她的詩出發，發展成為自己的舞，連結出新的篇章。但「離開」事實上也是一種關係，如何把每個轉折的關係當做訊息傳達出去，甚至讓觀眾可以接收到，或許是創作者必須要注意的部分，特別是當觀眾已經從演出節目單、宣傳的引領之下，進入某種脈絡或論述之中，面對創作者「離開這個命題」時，特別容易產生疏離感。
創作者試圖將艾蜜莉這個人的精神狀態，用舞蹈把人分裂出來，而這是用心的嘗試。對此怡芬回應，她希望在舞蹈中將個體跟群體的關係、時間與時間的切割和人格分裂的狀態進行討論，透過群體和個體間關係的建立，刻劃出因為群體而分裂出的艾蜜莉之狀態。
而在第一支舞最後的段落，羅文瑾把自己包起來，宛如雕像一般被抬走，搭配宗教性強烈的音樂，宛如聖母像一般的崇高與哀慟，如此相對應「我為美殉身」 這首艾蜜莉最著名的詩作，意象非常強烈。
在舞者的部分，有些舞者身體很柔，動作有著圓弧的曲線，而其他舞者的動作比較僵硬，這也造成了舞蹈質地上的不均質狀況，但編舞家也提到，好的編舞者就是要去應付各種不同的舞者，去鍛鍊和訓練舞者，畢竟舞者也是需要經驗。而怡芬也提到了扶植團隊經營的難處，必須要演出很多作品，在各種準備上經常 心有餘力不足，例如這次的演出服裝竟然一週前才出來等等。
另外舞作中第一段的結尾，收白色布條的時候，工作人員的出現方式讓人有些錯愕，產生一種結尾不乾不淨的感覺，而工作人員在第二段一開始沒關燈的狀況下搬沙發，好像有一種這就是所謂「後現代劇場」的疑惑，從一個角度去看，是強調了場上與場外的不同現實，也因此能突顯出劇場中艾蜜莉的舞台和觀眾現實世界之差異；但若從另一個角度切入，第一段沒有仔細處理的結束方式，其實也會干擾到觀眾進入第二段舞作的情緒。
心心南管樂坊，《霓裳羽衣》南管崑曲同台
五百年來第一次，將王心心和錢熠放在舞台上同時並置，是個可喜的嘗試，只是全不合在一起，沒有人負責將其好好整理就直接並置地放在舞台上，約略有種光怪陸離的感受，不曉得該如何放在一起。
演出中的每個細節，如果分開來看都非常的好，但是合在一起就有種混亂的感覺，如此看來一場演出的藝術總監或是製作人其實佔有非常重要、關鍵性的地位，必須要去協調、協商同時是處理整個合作場面的大調度，並將每個細節都妥貼完整的組合成一個協調兼容並蓄的畫面，除了溝通能力之外也需要對不同藝術媒介的深刻了解。但這五百年來的第一次，雖就現階段而言，似乎還是以沒有處理的並置方式呈現，但這樣的實驗精神是非常值得嘉許，只要有發展性就值得繼續嘗試。
演出中琵琶有聚光燈，效果很棒。而舞蹈與音樂的關聯性不夠高，僅是以類似梨園戲基本動作，用可愛的風格來呈現，讓人有些困惑舞者在作品中的功能為何。而崑曲的部分在座與會者多半不太了解，只是約略提到表現的方式是很東方主義式的歌劇式崑曲。在整個演出中內斂跟外放的並置其實是有趣的，論者提及樂器或許是有相同性，而唱腔的部分是可以被實驗的，這其實是藝術很好切入的合作方向，只是會牽涉到主體性的問題，若運用天上/人間兩種不同的表達方式來呈現，或許差異性是可以被合理化，當南管需要差異性角色時，崑曲就可以被放進來。
8213肢體舞蹈劇場，《卡漫1.0》
卡漫這個議題在其他藝術領域已經非常多人在玩了，例如視覺藝術的當代藝術館「虛擬的愛」、 戲劇類的「幽遊白書」演出等，可以從文化意象的角度深入去談，而孫梲泰在《卡漫》的文宣中提到DRY JOKE等，在舞作中也以懷舊的方式呈現，如小時候的卡漫，這些其實正好提供給觀者一個觀察從《電子》到《卡漫》的「反現代主義」劇場脈絡。
後現代主義中對現代主義的反動，有兩個不同的面向。第一種是「抗拒型」，例如嬉皮，有點類似為了反對而反對的概念，很古老的抵抗型，就是拒絕；而第二種是「反動型」，不是純粹的抗拒而已，而是有一些發展性，不是簡單的二元對立（好的相反就是惡這種邏輯）。而在這首舞蹈作品之中，編舞者的反現代主義，似乎是第一種類型，讓人反思的部分是，當四十年前就已經有嬉皮們在全然的唾棄消費時，四十年後的創作者面對同樣的問題，會用什麼樣的觀點，去賦予怎麼樣的不同意義？觀眾似乎不在只能滿足於只是提出問題和抗拒就好。
在《電子》之中可以看到非常反物質性的舞蹈劇場，只是令人疑惑的是，為何行銷全部都擁抱電子（e-dm. youtube）的快速便捷？既然無可避免，卻又批判，這樣就難免讓人產生不夠誠實的聯想，真正的後現代是藝術即生活，反對為藝術而藝術，但在這樣的作品與行銷策略之中，卻流露出些許矛盾。
另一例子是一月初即將有演出的黃蝶南天舞踏團，它們保有邊緣性的生活，專注探討社會議題，連獲頒台新獎都拒絕領獎，並且不接受任何政府的補助，這樣的態度令人懾服。
編舞者與評論者之間的詮釋問題
評論的態度是什麼？看到編舞者願意去做事情，評論者希望給對方建議，最終目標是希望對方繼續走下去。評論必須要針對不同的人來設計，給觀眾或編舞者，可以由發表媒介來做不同的區隔。多一點建設性，修辭的方式也必須要考慮到別人的感受，評論必須講出原因和支持論述的理由，而另一方面，創作者接收評論的詮釋方式，也是值得思索的議題。
Blog這個媒介到底算是私領域，還是公領域？兩者間有一個模糊地帶，在這樣的情況下在blog上產生的論述，有值得討論之處，但這也是一個非常大的命題，留待下次討論。
王嘉明，《王記食府》
聊作菜的餐飲節目，有如電美食節目的現場表演，是某種特別的經驗，對坐在前面可以與廚師互動的VIP包廂坐位觀眾而言，是很快樂的經驗。（編按：只是對坐最後一排什麼都看不到、互動不到的觀眾而言，很失落）
一個很中產階級的行銷活動（之後的場地要開餐廳，拿票卷來還可以免費送蛋糕），像是演藝明星要開餐館前的促銷，基本上很難定位到底是不是表演，有點像在賣名人作菜給你吃。如果純粹以表演煮菜這件事情，其實到夜市去看鐵板燒的表演，他們炒菜的「專業」手法，或許更值得研究。
讓人比較關注的是主演的兩人台詞一直吃螺絲，因為即興不代表不能排練，這牽涉到劇場道德的問題，畢竟是個售票的演出，在整個宣傳上，也讓人以為這是個演出，而不是個餐會而已，劇場的品質、位子分配都需要注意，練習時與其花了一堆成本訓練一批表演者來煮菜，為何不直接找廚師來煮呢？
驫舞劇場，《正在長高》
很菁英式、中產階級的性質，優美、乾淨、純粹，動作玩得徹底，諸如快跌倒沒跌倒、撞得精力和外面演出很不一樣，跑步與摔倒的動作，非常有誠意。特別是對初次觀看驫舞劇場的觀眾而言，心情是澎湃震驚的，這樣創新的動作手法，流暢而純粹的動作，令人驚喜。
從《速度》、《骨》到《正在長高》，同樣的手法，找一個片段、合作、找新的動作。命題式思維，玩出不一樣的動作跟想像，同樣水平的表現手法，對某些觀眾而言，精力與力量的使用都是類似的，似乎沒有看見結構上思緒的安排，或在速度跟空間多一些突破。
但懷德等人的加入，似乎也改變了驫舞劇場的動作特質，變得比較有力量，過去黃翊和周書毅的身體，有種比女舞者還漂亮，還要更柔的特質，新舞者的加入有改變舞團的氣質。驫舞劇場之前曾和名樺做一些互動，同樣在動作探討膝蓋與軸關節的互動方式，不知道若驫舞劇場加入女生會如何呢？但普遍的看法認為，性別似乎不是目前應該被考慮的點，驫舞劇場玩”男性身體”，讓人聯想到 Ramsay Burt的The male dancer : bodies, spectacle, sexualities 書中對「被窺視」這件事情的探討，男性舞者成為被凝視的對象，成為男性身體奇觀。
在命題式作文的創作方式上，舞團有點像是「開發部」，創造出某種奇觀性的舞蹈動作，而這會讓人期待「應用部」的出現，例如某種景象可以被長期使用、發展屬於自己身體的技巧 (而非只是舞者自己身體本身可以使用)或是training system等，讓動作產生意義，可以有意識的被運用，例如太極導引在雲門成為被運用的系統，同時又能拿來敘事跟即興。否則在舞作中動作對人的影響力，並沒有被看到，實為可惜。
另外這也牽涉到在純肢體和肢體劇場 (關注肢體)中，動作的意義到底在哪裡？驫舞劇場就像擁有很強大的動作的資本能力，第一次看很棒，不過然後呢？若無法賦予技巧意義，那或許最後就成為很棒的技巧課示範，作為觀眾，這樣的劇場能不能繼續看下去？ 另一個可以參考的例子是《妮娜物語》。編舞家作品的出發點很重要，究竟是為了要讓觀眾認同呢，還是要做一個作品讓自己覺得很開心，不同的選擇會造就出很不一樣的呈現結果，一齣售票表演，創作者還是要對觀眾負責。