時間：2010/03/16
主持：顏寧
紀錄與文字：顏寧(靈魂的浪)、惠承(艾蜜莉‧狄更生)、盈瑩
出席: 懿文、惠承、顏寧、盈瑩、依潔、竹晴、乃璇、怡芬、家銘、雪甄、政道、靜如、仁杰和朋友
本側寫是由記錄者的觀點記錄整場BINDO討論會的內容，讓未能親身參與討論的朋友可藉由側寫來參與討論。
本文既非評論也非逐字稿，我們歡迎您親自出席討論會，與他人分享您的看法。
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本次討論新加入了許多新夥伴，可堪稱BINDO成立以來，首次爆滿的一次，其中包含了遠道而來的台大現代舞社的朋友，也有一位潛水已久的新面孔，這場BINDO集會，大家可是天南地北、上山下海的高談闊論，好不快樂啊!!
大家觀賞兩廳院國際藝術節的情緒持續發燒，一開始就由《天鵝之歌》開起了大夥的話匣子。因為此作品是由臺灣編舞家林美虹所創作，一位與會者很好奇林美虹為何會選擇以《天鵝之歌》（如此偏向西方文化的題材）回到家鄉演出，而非以亞洲（中國）刻板印象的題材，如紅樓夢或是西遊記等作為創作主題？因為據說原本要演出的《紫讚》與228議題相關，基於此因素，激起了這位與會者的關於主題選擇的思考。
另外幾位討論者則是認為，《天鵝之歌》由服裝造型、舞台背景、隊形安排等，整體營造出豐富的視覺畫面，不過爵士樂的風格似乎與舞作中所鋪陳的情緒契合度不佳，或許是因為爵士樂總給人一股搖擺且放鬆的感覺，無法與舞者們所投射出憤怒、飢渴等情慾表現相契合；也因此，有人提出，現場音樂似乎應該是可為整體演出加分，但因舞蹈與音樂的扣合不緊密，觀眾的期待也隨之落空。提到音樂，有人欣賞這種專門為一齣舞劇作曲的方式，尤其喜歡這次具有原創性的音樂曲調。
關於《天鵝之歌》的舞蹈表現，兩位觀眾前後相繼提出，在作品中看不見明顯的身體風格，舞者身上好像有著許多技巧的拼貼，因而形成一種凌亂的身體語彙。再加上，舞者由一開始就呈現出一種情緒過滿的表現方式，某位觀眾表示，這樣過滿的情緒在舞作開端突然湧進，讓人有一種莫名且無法接受的感覺，尤其整支作品的後續表現，依舊維持在高飽和的情緒張力，反而無法觸動他的心情。
由於《天鵝之歌》與《白雪公主》都是以舞劇的方式呈現，大部分參與討論的夥伴們都認為，這兩支作品的表現方式過於寫實，尤其當《白雪公主》的宣傳特別標榜著前衛的服裝設計，不免讓人對於舞作的”前衛性”有所期待。不過在觀賞完演出後，多數長期進劇院的觀賞舞蹈作品的同好，認為這樣的編舞方式流於俗套，時常可預測編舞者下一步會作出怎樣的編排，因此也讓大家提出了一個疑問：「難道舞劇的表現手法就是必須如此的寫實？」；然而，也是有另一部份的觀眾（較少觀賞舞蹈演出）則是認為，《白雪公主》與《天鵝之歌》讓他們對觀賞舞蹈有了新的體驗，原來舞蹈可以將一個故事訴說如此清楚、原來舞蹈是可以被看懂的、這樣將情慾表現放在舞台上很前衛。對於時常進劇場看演出的觀眾而言，在這次的討論中，他們說出，他們想要看到的是編舞者的創意與呈現，編舞者如何將敘事文本轉化在舞蹈之中，而非赤裸裸的將故事攤平於舞台供人檢視。一位觀眾（表演藝術重度觀賞者）則提供了另一個觀點給大家，他以一種巨大宏觀史詩的角度來看這樣的舞劇表現。
這次《白雪公主》，有著一種每個劇場元素的設計都很到位，但卻無法融合的遺憾感。同時，也因為此位編舞家有著顛覆刻板印象的意圖，時常加以著墨作品中的主角，例如在先前的羅密歐與茱麗葉中，羅密歐是以光頭的造型出場，在此次的《白雪公主》中，王子則是以黑人舞者扮演，在這樣的顛覆之中，讓一位討論者提出了種族議題的思考，不過在場的幾位討論者則認為，或許編舞者並無此思考，只是單純顛覆白人王子之刻板印象作為出發點罷了！此時也讓這位提出種族議題的討論者思考著，或許有時在看演出或分析作品時，總是加入了過多的期待與預設立場，因而往往希望落空與感到失落。
當天一位同好在大家七嘴八舌發表自身對演出的看法時，他說他很喜歡參加演後座談，一方面可以直接提問編舞者，另一方面可知道許多在舞台上不被了解的幕後花絮，也因此，某些討論者對於演出的狐疑可以被解決，例如為什麼舞台背顏色與服裝相似高，導致無法突顯舞者，答案是因為經費不夠過所導致。這位同好表示，演後座談可以讓編舞者被體諒，但當場具有編舞經驗的討論者則提出，一位編舞者應該有預設演出突發狀況的先見之明，也不是永遠都有機會能說明自己的完整概念，因此不能把演後座談作為再次解釋的藉口。
接下來是總是令人眼睛為之一亮的驫舞劇場《2010M_Dans》。一說到這次的演出，馬上就有人接著說，周書毅的身體發展細微且極致，令人動容。在場的觀眾多半非常喜愛由蘇威嘉所編的《在》，大家喜歡這樣詼諧的舞蹈形式，即興成分高的創作形式，正經中帶有幽默的成分，加上蘇威嘉與陳武康的所散發出個人特質，成功營造了那支作品的幽默氛圍；同時，這支作品必定是要由此二位舞者來執行演出，不然就失去了這樣有趣的原味。但討論會中也有觀眾認為，蘇威嘉的編舞風格總是如一，他無法被相同的編舞手法給滿足，他希望可以看到更多的創新想法，不過，對大部分的討論者而言，他們倒是很沉浸在蘇威嘉幽默的舞風中。 Eliot Feld為蘇威嘉所編的獨舞，許多討論者讚賞蘇威嘉的特質在作品中發揮的淋漓盡致。
這次的BINDO有一群遠道而來的新夥伴與大家分享《靈魂的浪》，有製作人、編舞者與舞者參與討論會，使沒有親臨現場的人，也可以有初略的演出概括。
就這樣，大夥由第一支舞開始談起。由於台大現代舞社的表演者皆非專業舞者，加上近來與台大戲劇系合作燈光設計，讓人覺得很用心。有觀眾提到，因為表演者為非專業舞者，所以希望在編舞上看見更多的創意跟想法，但整體而言今年好像特別注重技巧性高的動作，不免讓人有些失望。觀眾群也提到，台灣的劇場環境對新生代創作者比較艱難，若要期待他們堅持或創新真的有一定的困難。
在場有兩位此次「靈魂的浪」舞展的編舞者，分別是代樾和政道，他們以作為首次編舞者在過程遇到的困難與大家分享。代樾的作品是一支集體創作的三人舞，他認為靈魂能讓有心想創作的朋友們有機會來進行一些實驗，但他感到困難的地方在於，共同創作的結果是拼貼的段落滿明顯的，如何組織片段變成一個整體是他們還在學習和嘗試的部分。政道的作品也是一支三人舞，三位舞者全部都是男生。有觀眾提到，為何這次舞蹈的段落這麼短？比較多是戲劇或是口白的部分。政道表示，他想做一支開心點的舞，原本的段落的確稍微長些，但進劇場後與技術（燈光）討論的結果，大幅影響了原本的構想與之後的呈現。以他目前的能力無法在排練場真實表現劇場的情形，這也是希望之後能有所改善的地方。
在場的觀眾提出其中最令他們印象深刻的是一支男生SOLO。一方面，舞者看似非常自信的展現自己，但奇怪的是，舞者的焦慮卻又真實呈現在他的身體與動作上，如此矛盾與過度飽滿的音樂構成此支可謂之非常當代的作品。此時大家也談到最後一支舞〈純真年代〉，編舞者讓舞者以大量口白和遊戲設計的動作來表現，令在場的觀眾聯想到過去的花城舞展。（花城舞展為台大一年一度的聯合舞展，由現代舞社、國標舞社與世界民族舞蹈社合作整晚的演出，至今已超過三十年）。在花城舞展中，現代舞社推出的舞碼常是童真的表現，但偏偏已經脫離那年代了，讓人覺得為何一直回憶過去，也許也不能說是瓶頸，而是每個世代的選擇。此次最後一支的處理方式卻讓人覺得，在處理相似的題材上比之前成熟，也有的朋友因此觸動什麼而哭了。
最後, 回到了國際藝術節中的《艾蜜莉‧狄更生》，這支作品中蘊含著大量詩化的語言。本作由於採用在場大部分人不熟悉的西班牙語，卻沒有字幕，在討論現場裡對於這樣沒有缺乏文字語義作品有著不同的聲音。有人認為自己無法進入作品，思考著是不是語義在這個作品的結構中占了很大的份量；也有人即使閱讀過，看的過程仍然一頭霧水；也有朋友懂西班牙文的，卻聽不懂他們在說什麼；但是也有人在演後座談中恍然大悟劇中些許內涵。這樣的作品跨越了語言的藩籬嗎? 語義失去功能的時候，劇場是否能使觀眾不需藉由語言，可以透過演員的肢體表現或聲音與觀眾對話？在不同的作品中又有所不同。
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